Los Planetas de Gustav Holst

Gustavus Theodore von Holst nació el 21 de septiembre de 1874 y murió el 25 de mayo de 1934 fue un compositor de música inglés, con raíces familiares en Lituania, Suecia y España.

Gustavus se quitó el von de su nombre durante la Primera Guerra Mundial por miedo de ser identificado como alemán.

Nació en Cheltenham, cerca de Inglaterra. Estudió en el Royal College of Music de esta localidad, pero más tarde se marchó a continuar sus estudios a Londres.

Su obra más conocida probablemente sea Los Planetas (The Planets), terminada en 1916, obra que Gustavus no consideraba una de sus mejores creaciones, de hecho, en ocasiones se quejó porque otras obras habían sido eclipsadas por ella.

Los planetas está parcialmente inspirado en meditaciones acerca de si mismo y trataba sobre "las influencias de nuestro espíritu".

Holst estuvo especialmente influenciado por Ravel, compilador de unas famosas efemérides y autor de un libro sobre los planetas y su importancia en los acontecimientos mundiales, el que le dio a Holst una amplia visión sobre éstos, logrando hacer de ella una obra exitosa.

Holst escribió la suite orquestal cuando era profesor en la St. Paul's Girls' School en Hammersmith (Londres). Compuso además una obra exitosa para la orquesta de la escuela en 1913.

Como muchos compositores, Holst también ejecutaba un instrumento musical, en su caso el trombón.

Según su biógrafo, Ian Lace, Gustav Holst era sobrio, nunca fumaba ni bebía alcohol.

Desde que se fue de casa se volvió vegetariano. Pero ese vegetarianismo no era recomendable en la barata posada donde vivió en los años 1890, además como nunca se alimentó con comida nutritiva, sus ojos se volvieron muy débiles, quedando afectado el resto de su vida.

En 1933 Holst comenzó a sufrir de serios problemas estomacales y finalmente el 25 de mayo de 1934 murió por unas complicaciones, tras una operación quirúrgica en Londres. Fue enterrado en la antigua Catedral de Chichester, West Sussex.

La Suite Orquestal “Los planetas” op. 32, es la obra más conocida del compositor inglés Gustav Holst.

Es una suite de siete movimientos, a cada uno de los cuales Holst le dio el nombre de un planeta (y su correspondiente deidad en la mitología romana):

Marte, el portador de la Guerra. Venus, el portador de la Paz. Mercurio, el mensajero alado. Júpiter, el portador de la Alegría. Saturno, el portador de la Vejez. Urano, el mago. Neptuno, el místico.

Fue compuesta entre 1914 y 1918. Trata sobre "las siete influencias del destino y componentes de nuestro espíritu".

A pesar de ello, el propio Holst declaró que "no había relación alguna con las deidades de la mitología clásica correspondientes a cada planeta.

La obra le fue sugerida por su amigo y también compositor Clifford Bax, durante un viaje a Gibraltar en 1912.

El compositor se puso a la tarea y completó la suite en los cuatro años que duró la Primera Guerra Mundial.

La primera ejecución de la obra, en 1918, estuvo a cargo de Adrian Boult, que desde entonces se convirtió en el director favorito de Holst para esta obra.

Dicha primera ejecución (de carácter privado) se debió a un "regalo" al compositor de su amigo y también compositor Henry Balfour Gardiner.

La Suite “Los Planetas” está íntimamente conectada con varios autores de su tiempo. Así, por ejemplo, Holst toma prestada de los Nocturnes de Debussy la idea del coro femenino sin texto, para su Neptuno.

Igualmente se puede encontrar influencia de Richard Strauss en su uso del oboe bajo o las tubas wagnerianas; o la del Stravinsky de La consagración de la primavera por la incorporación del clarinete bajo. También hay que mencionar aquí al Arnold Schoenberg de las "Cinco piezas orquestales".

Desde el punto de vista conceptual, además, deberíamos citar al Elgar de las "Variaciones Enigma" y, de forma más lejana, al Mussorgsky de los "Cuadros de una exposición" en cuanto a la sucesión de descripciones de caracteres o impresiones.

Schumann y Grieg, dos conciertos para piano en La menor

ROBERT SCHUMANN - CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA OP. 54

Robert Schumann seguía la tendencia de Beethoven en el sentido de alejarse del virtuosismo vacío.

Tal como lo escribió una vez: "Mi concierto es un término medio entre una sinfonía, un concierto y una sonata enorme. He descubierto que no puedo escribir un concierto para los virtuosos".

Schumann destinó al solista una sola cadenza, en el primer movimiento, y la escribió por entero, probablemente para evitar la introducción de una improvisación exhibicionista por parte del solista.

Esta cadenza suena más como la parte de una sonata para piano que como una pieza de demostración.

Las cualidades que actualmente nos hacen apreciar la obra son exactamente las mismas cosas que más se criticaron cuando la pieza era joven: la mezcla democrática del piano y de la orquesta y la intencional ausencia de virtuosismo.

No es de sorprender que el concierto no fuera recibido favorablemente.

Después del estreno un crítico describió los "esfuerzos dignos de elogio por parte de la señora de Schumann para hacer que la curiosa rapsodia de su marido pasara por música".

Liszt lo llamó "Un concierto sin piano".

Guiada por su marido, Clara Schumann gradualmente se inclinó hacia la música más sustancial y menos virtuosa.

Como siguió interpretando el concierto con mayor convicción y entendimiento del mismo, éste poco a poco ganó la aceptación del público.

Después de una presentación en Praga en 1847, Clara Schumann escribió:

"El concierto de Robert produjo un placer extraordinario. Me desempeñé muy bien en él. La orquesta acompañó y Robert dirigió con amor. Y le pidieron que saliera a saludar. Esto me divirtió mucho porque mientras el público no paraba de aclamarle, casi tuve que empujarle al escenario, y el modo en que él actuaba era muy gracioso".

Si el concierto no contiene viruosismo y no crea un conflicto dramático entre el solista y la orquesta ¿donde está su atractivo?: El concierto de Schumann posee un lirismo arrollador lo que impulsa la música hacia delante.

EDVARD GRIEG - CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA OP. 16

Uno de los puntos más fuertes del concierto para piano y orquesta de Grieg reside en la belleza de sus temas.

El intento del compositor de desarrollarlos de acuerdo a los principios de la sonata le acarreó considerables dificultades.

Le resultó de ayuda modelar el primer movimiento en base a una obra existente, el Concierto para Piano de Robert Schumann, también en La menor.

Además Grieg, nunca satisfecho por completo con su concierto, continuó revisándolo hasta el último año de su vida, a pesar de las frecuentes presentaciones del mismo.

Grieg luchó con la orquestación incluso más que con la estructura y logró producir una versión definitiva alrededor de 40 años después de haber terminado el concierto por primera vez.

Haydn, Kappelmeister de los Esterházy

El 1 de mayo de 1761 Haydn había firmado su contrato de trabajo con la familia Esterházy. Se trató de un momento decisivo en su carrera.

Después de muchos años de privaciones Haydn había comenzado a mejorar su situación hacia fines de 1750, y una posición como director de música a órdenes del conde Morzin había proporcionado una base desde la cual podría consolidar su creciente reputación.

Su nombramiento por el príncipe Paul Anton Esterházy indicó la elevada reputación que ya tenía, para él era en efecto de asumir la responsabilidad de la creación musical de uno de los más ricas e ilustres familias Austro-Húngaras.

Su entrada fue en primera instancia formal como Vice-Kappelmeister, pero su superior, Gregor Joseph Werner, que había sido Kappelmeister por más de 30 años y tenía cerca de 70 años, se mantuvo como en un cargo honorífico.

Para los efectos Haydn, le seguiría, con apenas 29 años,y se hizo cargo del puesto.

Franz Joseph se convirtió en Kapellmeister oficialmente en 1766 a la muerte de Werner, y seguiría siendo titular sirviendo como Kappelmeister de la familia Esterházy hasta su muerte en 1809, aunque en su vejez, al igual que Werner antes que él, fue relevado de sus responsabilidades cotidianas.

Desde 1761 hasta 1790, sin embargo, la vida musical de la corte Esterházy fue su ocupación de tiempo completo.

La mayoría de los 30 años que Haydn trabajó como Kappelmeister de los Esterházy, los pasó en la sede en Eisenstadt y, cada vez más, en el espléndido palacio de Esterháza, construido por el Príncipe Nikolaus, principal mecenas del compositor, que sucedió en 1762 a Pablo Antón.

Sin embargo, el período de servicio de Haydn se inició en Viena, donde la familia se encontraba en la residencia en el momento de su contratación, y es, sin duda, allí, en el palacio de los Esterházy “Wallnerstrasse”, que la trilogía de las sinfonías “La Mañana”, “El Mediodía” y “La Tarde” fueron escuchadas.

Como casi con toda seguridad las primeras obras compuestas en su nuevo cargo, las tres sinfonías ocupan un lugar especial en la carrera de Haydn.

Es evidente que él deseaba dejar su marca, para mostrar su verdadera valía, con obras que fueron sorprendentes y memorables.

Él ya tenía varias sinfonías en su haber, pero vió la necesidad de tener algo distintivo en esta ocasión.

Igualmente importante, habida cuenta de su función como director musical y compositor de la corte, el compositor quiso mostrar lo que podía lograr en cuanto al rendimiento de los músicos a su cargo.

Luz en la Guitarra

Luz María Bobadilla nació en Asunción el 1 de agosto de 1963 dentro de una familia de músicos, hija de Andrés Roberto Bobadilla, compositor e intérprete de violín, piano, guitarra, acordeón y bandoneón, y de Marina Lelis Medina.

Su padre le enseñó las primeras notas de la guitarra desde muy pequeña, estudió además piano con la profesora Ana María Barrios.

A los ocho años de edad tomó clases de guitarra jazz con el profesor “Kuky” Rey, posteriormente estudió guitarra popular con Rudy Heyn y al mismo tiempo empezó sus clases de guitarra clásica con el profesor Felipe Sosa.

Tenía tan solo 15 años cuando ofreció su primer concierto como solista interpretando 20 obras en el auditorio del Colegio Teresiano, institución donde cursó sus estudios primarios y secundarios.

A partir de 1977 tomó clases de piano, teoría y solfeo y flauta traversa en la Escuela Municipal de Arte.

En 1980 culminó con máximas calificaciones sus estudios de Guitarra Clásica bajo la dirección de Felipe Sosa, obteniendo el título de profesora Superior.

Más tarde realizó cuatro años de perfeccionamiento con el Maestro Cayo Sila Godoy, convirtiéndose en una de las pocas alumnas admitidas por el gran guitarrista, de quien recibió el impulso necesario para volcarse definitivamente a la guitarra. Paralelamente estudió armonía con el profesor José Luis Miranda.

A partir de 1987 comenzó una carrera internacional que la ubica en el más alto puesto entre los concertistas de guitarra del Paraguay.

Con el deseo de perfeccionar su arte tomó clases con destacados maestros de Uruguay, Argentina, Chile, Venezuela, España y Cuba.

Su innegable calidad interpretativa y sus conocimientos de la obra de Agustín Pío Barrios, máximo compositor paraguayo para la guitarra clásica y uno de los más importantes del mundo, la llevó a dictar Clases Maestras en escuelas y universidades de música, entre otras la Universidad de Música de Costa Rica, la Escuela de Música de Brasilia, el Conservatorio Souza Lima de Sao Paulo en el Aula Magna de la Universidad de Santiago, Chile.

Luz María Bobadilla ha sido invitada a programas radiales y televisivos de importantes cadenas y emisoras de nivel mundial tales como la Deutsche Welle, Radio Suiza Internacional, Radio Baviera Internacional, Radio Francia, Rede Globo, Rede Manchete.

Fue solista en orquestas sinfónicas y de cámara del Paraguay y del extranjero, estrenando obras de compositores paraguayos como los Maestros Luis Szarán y Florentín Giménez.

Exploró las enormes posibilidades de la guitarra clásica, dejando testimonio de ello con sus diferentes grabaciones.

Luz, fue considerada por la prensa internacional como una intérprete de exquisita sensibilidad y absoluto dominio técnico.

Además realizó numerosos conciertos en las más importantes salas y teatros de países de América y Europa, y participó de numerosos Festivales Internacionales alrededor del mundo.

Llevó sus interpretaciones a célebres escenarios de Londres, París, Ámsterdam, Berlín, Roma, Bruselas, Estocolmo, Madrid, Ginebra, Lisboa, Washington, México D.F., La Habana, Caracas, Bogotá, São Paulo y Buenos Aires. De sus manos la guitarra clásica paraguaya ha brillado en ciudades tan distantes como Moscú, El Cairo y Tel Aviv.

Actualmente dirige la Escuela de Guitarra “Luz María Bobadilla” y conduce el programa “Guitarra y Luz” que se difunde por 107.7 FM Concert de Asunción desde el año 1998; además, es presidenta de la Asociación de Guitarristas Paraguayos y vice presidenta de Juventudes Musicales.

VISITA LA PAGINA OFICIAL DE LUZ MARÍA BOBADILLA:

http://www.luzmariabobadilla.com.py

Emmy Verhey y Yuri Yegórov - Sonatas para violín y piano de Schubert y Brahms

FRANZ SCHUBERT - Sonata para violín y piano en la mayor Opus 162

Franz Schubert es conocido en la historia de la música como el creador de grandes canciones, un género que llevó a la perfección como ningún otro compositor hasta ahora.

Pero su obra sinfónica y su música de cámara no son menos apreciados.

La sonata para violín y piano en La Mayor Op. 162 D 574, es una obra de juventud.

Esta obra es una de las más bellas piezas de Schubert, que haya escrito.

JOHANNES BRAHMS - Sonata Nº3 para violín y piano en re menor Opus 108

Johannes Brahms escribió tres sonatas para violín y piano.

La Sonata N º 3 para piano y violín en Re menor, op. 108, es una de las obras tardías del maestro.

Él escribió en 1887 en Thun y la había dedicado a su viejo amigo Hans von Bülow.

El primer movimiento comienza vigorosamente con una gran tensión, y el segundo tema, ya que no se rompe.

El Adagio que sigue, donde la melodía continúa fluyendo, desarrollada en primer lugar por el violín luego por el piano, llega a su cumbre en un tono nostálgico grave y la tensión se libera.

En el Scherzo, reune las fuerzas necesarias y lleva de nuevo de manera impetuosa la descarga de la tensión al final con un Presto.

Como las dos primeras, esta tercera y última sonata de Brahms es un verdadero "poema romántico"

Emmy Verhey (13 de marzo de 1949) es una violinista neerlandesa.

Verhey tomó por primera vez un violín con siete años y pronto reveló sus extraordinarias dotes para la música.

Niña prodigio, a los ocho años recibió clases de Oskar Back y, posteriormente, estudió con Herman Krebbers, Bela Dekany y Wolfgang Schneiderhan.

En 1966 quedó finalista en el Concurso Internacional Tchaikovski de Moscú (el violinista ganador fue Víctor Tretiakov) y Verhey consiguió su primer contrato discográfico.

Tras ganar el Premio Nacional de Violín Oskar Back de Ámsterdam en 1967, consiguió una beca para estudiar violín durante un año con David Óistraj en Moscú. En 1971 ganó el Concurso Internacional de Música Tromp de Eindhoven.

Verhey ha tenido una brillante carrera internacional y ha tocado con importantes batutas, como Bernard Haitink, Mariss Jansons, Leonard Bernstein, David Zinman, Jean Fournet y junto a otros grandes violinistas como Yehudi Menuhin o David Óistraj

Otros solistas con los que ha tocado son los pianistas Yuri Yegórov y Maria João Pires o el violonchelista János Starker.

Yuri Aleksándrovich Yegórov (28 de mayo de 1954 – 15 de abril de 1988) fue un pianista soviético.

Yegórov estudió en el Conservatorio de Kazán desde los seis años hasta los diecisiete.

Con diecisiete años, en 1971, participó en París en el Concurso Internacional Marguerite Long-Jacques Thibaud, donde quedó en cuarto lugar.

Continuó sus estudios en el Conservatorio de Moscú con Yakov Zak. Yegórov permaneció seis años en el Conservatorio moscovita. En 1974, ganó la medalla de bronce en Yegórov en el Concurso Internacional Chaikovski de Moscú. En 1975, ganó el tercer premio en el Concurso Internacional de Música Reine-Élisabeth-de-Belgique.

En 1976, parte para Roma, aprovechando su viaje para Europa para dar una gira de conciertos.

Debutó en el Carnegie Hall el 16 de diciembre de 1978, bajo la protección de Gershunoff, su interpretacion fue grabada en directo.

El crítico de The New York Times, Harold C. Schonberg, alabó la libertad y originalidad del estilo interpretativo de Yegórov.

Entre los pianistas que le influenciaron, están Sviatoslav Richter, Vladimir Horowitz y Glenn Gould.