En la música todos los sentimientos vuelven a su estado puro y el mundo no es sino música hecha realidad.
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Arthur Schopenhauer (1788-1860)
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martes, 16 de junio de 2009

Glinka, el padre de la música clásica rusa

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857), fue el primer compositor ruso que obtuvo un amplio reconocimiento dentro de su propio país, y es a menudo considerado como el padre de la música clásica rusa.

Las composiciones de Glinka tuvieron una influencia importante sobre el futuro de los compositores rusos, especialmente los miembros del grupo de Los Cinco, que tomó la iniciativa de Glinka y produjo claramente una especie de música romántica rusa(clásica).

Mikhail Glinka nació en el pueblo de Novospasskoye, no lejos del río Desna Smolensk Guberniya del Imperio Ruso.

Su padre era un rico capitán retirado del ejército, ya que la familia tenía una fuerte tradición de lealtad y servicio al Zar, mientras que varios miembros de su familia también habían desarrollado un gran interés en la cultura.

Como un niño pequeño, Mikhail fue criado con sobreprotección y cuidado de su la abuela quien le regalaba muchos dulces, lo envolvía en pieles, y se limitó a su habitación, y ordenó que siempre que se le mantenga a 25 ° C; así el compositor, fue enfermizo, más tarde en su vida se vió obligado a contratar los servicios de numerosos médicos, y, a menudo fue víctima de una serie de charlatanes.

La única música que escuchó en su juventud fue el de los sonidos de campanas de la iglesia del pueblo y el paso de las canciones populares de los coros de campesinos.

El sonido de las campanas de la iglesia se ajusta a uno de sus acordes disonantes y así adecuó sus oídos para la armonía estridente.

Si bien su enfermera a veces le cantaba canciones folclóricas, los coros que cantaban los campesinos utilizando la técnica de podgolosnaya (un estilo improvisado - literalmente, bajo la voz - que usa armonías disonantes improvisado debajo de la melodía) influyó en la manera en que más tarde Glinka se sentiría libre para emanciparse a sí mismo desde las progresiones occidentales de la armonía.

Después de la muerte de su abuela, Glinka se trasladó a la finca de un tío materno, y pudo escuchar la orquesta de su tío, cuyo repertorio incluía obras de Haydn, Mozart y Beethoven.

Fue alrededor de los diez años, cuando oyó tocar a un quinteto de clarinete por el compositor finlandés, Bernhard Henrik Crusell.

Tuvo un profundo efecto sobre él. "La música es mi alma", iba a escribir muchos años después, recordando esta experiencia. Si bien su tutor le enseñó el ruso, alemán, francés, inglés y geografía, también recibió instrucción en el piano y el violín.

A la edad de 13 Glinka fue enviado a la capital, San Petersburgo, para estudiar en una escuela para los hijos de la nobleza.

Aquí se enseñaba latín, Inglés, y persa, estudió matemáticas y la zoología, y pudo ampliar considerablemente su experiencia musical.

Tomó tres clases de piano con John Field, el compositor irlandés de nocturnos, que pasó algún tiempo en San Petersburgo. Luego continuó sus clases de piano con Carlos Meyer, y empezó a componer.

Cuando dejó la escuela su padre quería unirse a la Oficina de Relaciones Exteriores, y fue nombrado secretario adjunto del Departamento de Carreteras.

El trabajo fue la luz, lo que permitió a Mikhail resolver en la vida musical de un aficionado, que frecuentaba los salones y reuniones sociales de la ciudad.

Se dedicó entonces ya componer una gran cantidad de música, tales como los romances que fueron entretenimiento de los melómanos adinerados.

Sus canciones se encuentran entre la parte más interesante de su producción de este periodo.

jueves, 4 de junio de 2009

Concierto Nº 2, impregnado de la afinidad de Chopin con el piano

Los dos conciertos para piano de Chopin son obras tempranas, que datan de sus últimos años en Varsovia.

No son conciertos en la tradición de las obras maduras de Beethoven, que son diálogos entre dos fuerzas opuestas pero iguales: solista y orquesta.

Los conciertos de Chopin nacen de una tradición muy diferente, representada por Johann Christian Bach, el Mozart de las primeras épocas.

En los conciertos de estos compositores, la orquesta está subordinada al instrumento solista.

Los conciertos de Chopin están concebidos para piano con orquesta en lugar de para piano y orquesta.

Chopin nunca dominó por completo el arte de la orquestación. De hecho después de los 21 años, nunca escribió para orquesta.

La relativa falta de importancia de la orquesta en sus conciertos se demuestra por el hecho de que, una vez, interpretó el Concierto Nº 2 con un solo de piano, logrando un buen efecto.

Héctor Berlioz, que era muy sensible al uso de la orquesta y que nunca escribió un verdadero concierto, hizo comentarios duros con respecto a los acompañamientos de los conciertos de Chopin.

Quizá Berlioz fue excesivamente crítico. Aunque terminó por desinteresarse de ella, Chopin si sabía cómo usar una orquesta.

La afinidad de Chopin con el piano, impregna el Concierto Nº 2 en fa menor.

Esto queda hermosamente demostrado por el primer tema.

Cuando es presentado en las cuerdas, con interjecciones de vientos y bronces, es muy vigoroso, pero no podemos apreciar su real belleza hasta que lo expone nuevamente el piano.

El piano agrega la ornamentación atractiva, haciendo renacer la melodía.

La misma comparación sirve para el segundo tema. Una vez que el piano hace su entrada, capta nuestra atención.

El acompañamiento orquestal típico, cuando lo hay, es simplemente de acordes de cuerdas. Los vientos y bronces permanecen silenciosos hasta los interludios orquestales.

Por último se da a la orquesta cierta importancia en el final.

Hay incluso un par de efectos especiales que sugieren que Chopin podría haberse convertido en un orquestador imaginativo si hubiera continuado componiendo para ese medio.

El movimiento tiene gran vitalidad, especialmente el tema principal.

La música parece no querer mostrar si su compás es de 2/4 o 3/4 y también respecto de dónde deben estar exactamente las líneas divisorias de los compases.

jueves, 12 de marzo de 2009

Música para flauta, interpretada por Maxence Larrieu y Severino Gazzeloni


Nacido en Marsella en 1934, Maxence Larrieu es considerado uno de los flautistas  vivos más importantes. 

En primer lugar, estudió en la Academia de Música en su ciudad natal con el maestro Joseph Rampal. 

Luego de  obtener su diploma con excelentes calificaciones, se unió a la clase de otro maestro, Gaston Crunelle en la Academia de Música de París, y en 1951, después de sólo un año de estudio en la Academia, ganó el Primer Premio de Música de Cámara. 

En 1954 Larrieu ganó primeros premios en concursos internacionales de Munich y en Ginebra. 

Desde entonces ha aparecido con orquestas de renombre tales como I Musici y la Orquesta de Cámara Inglesa. 

Larrieu mantiene una carrera muy activa alternando entre el desempeño y la asignación de clases magistrales y la enseñanza en Ginebra y Lyon.

Severino Gazzelloni nació un 5 de enero de 1919 en la ciudad de Roccasecca de una modesta familia.

Nadie en esta familia era músico de profesión, aunque su padre, en su tiempo libre, tocaba el flautín en la banda del país y el abuelo era organista en la iglesia de Santa Margherita di Roccasecca. 

Severino inició sus estudios musicales muy joven, a la edad de siete años. 

Su actividad fue especialmente intensa en los años sesenta y setenta, aprovechó de la colaboración de los dos pianistas Bruno Canino y Leonardo Leonardi.

Su inclinación natural a hacer el trabajo de divulgación de la música clásica le llevó a ser apreciado y conocido también a una audiencia que no estaba interesada en particular en la música. 

Murió en Cassino, en 1992.

Esta tarde escuchamos dos movimientos de la Serenata en Re Op.25 para Flauta, violín y Viola, “La cabaña” y “De noble estirpe era Shinkin”, "Schüsserl y Rendl” y “Toro inglés” cuatro de los 6 aires nacionales con variaciones para piano y flauta Op. 105  de Ludwig van Beethoven en la interpretación de estos destacados flautistas.

martes, 17 de febrero de 2009

La primera Sinfonía de Beethoven, un eslabón entre lo clásico y lo romántico



En nuestros días habiendo escuchado ya las otras sinfonías del gran Beethoven, quizá la sinfonía que escuchamos hoy, nos parezca algo calma.

Sin embargo esta obra, innovadora en su tiempo, contiene elementos que podrían considerarse como esa puerta que estaba cerrando el período clásico de la música y la nueva era para aquel entonces, el romanticismo.

Esta tarde pudimos apreciar, tres de sus cuatro movimientos pero estaba claro que había una marcada diferencia entre las sinfonías de Haydn y Mozart.

Se percibe una confluencia entre un homenaje y una rebelión con respecto a la música de Haydn, en la sinfonía en do mayor, seguramente refleja los sentimientos ambivalentes que invadían al compositor en ese momento con respecto a su viejo maestro, a quien Beethoven consultaba cada vez con menor frecuencia.

En sus últimos años, Haydn expresó su desilusión por el olvido de su antiguo discípulo y también confusión ante las composiciones abiertamente revolucionarias de Beethoven, como la Sinfonía Heroica.

Sin embargo, después de la muerte de Haydn en 1809, Beethoven dejó de hacer comentarios despectivos y no expresó sino admiración por el compositor cuya música había contribuido a dar forma a la suya.

María Isabel Dávila

lunes, 9 de febrero de 2009

Una nueva semana, inició con Bach

Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue el compositor que dió inicio a esta nueva semana de programa.  Primero dos movimientos del concierto para violín en la menor BWV 1041 en una magnífica e histórica interpretación de Isaac Stern grabada en junio de 1950 con la Orquesta del Festival de Prades dirigida por Pablo Casals.

Luego de conocer un poco más sobre la infancia de Bach, la afamada pianista Clara Haskil y el concierto  en fa menor BWV 1056 nuevamente con la Orquesta de Prades y Casals.

Paradójico saber que la muerte de un genio de la música fue recordada en un pequeño obituario y que su obra permaneció en el olvido durante largo tiempo hasta que Mozart y posteriormente Beethoven supieron reconocer el valor que tenía. Afortunadamente, durante el período del romanticismo muchos otros compositores lograron mostrar al mundo al gran Johann Sebastian Bach.

La influencia que tiene su música, sigue vigente en pleno siglo 21. Los intérpretes de hoy ven en Bach un modelo de perfección y expresividad.

María Isabel Dávila